ARTIST INTERVIEW

HOW WE SEE 独占インタビュー

「見えていないものを、見る」

〈2026年4月25日（土）〜5月31日（日）〉

作風も手法もまったく違う4名が集うグループ展「HOW WE SEE」。脈絡なくバラバラに思える存在が混ざり合うさまは、混沌とした世界を映している。彼らはこの世界で何を見て、何が見えていないと感じるのか。KAKA、持田象二、斉木駿介、天野百恵それぞれに話を聞いた。

「小さくて静かな存在に気づく」　ーKAKA

アーティストを目指したきっかけを教えてください。

小さい頃から漫画やアニメが好きで、もともとは漫画家になりたいと思っていました。中国にいた頃は家族の考えもあり大学では環境デザインを専攻しましたが、「これは本当に自分がやりたいことなのか」と考えるようになりました。

そんな時に日本の木彫アーティスト、田島享央己さん、野原邦彦さん、舟越桂さんらの作品と出会いました。それぞれ表現が違い、一人ひとりの作家の個性があることに魅力を感じました。中国にも伝統的な工芸や仏像はありますが、こんなにも自由で面白い作品が作れるんだと強く惹かれ、木彫への憧れは漫画を越えました。

モチーフとなるのは、キノコや鳥。どんな意味を込めているのですか

キノコと鳥は、自分の二つの内面を表しています。キノコは森の中でひっそり成長していく静かな存在。子どもの頃、悩んだり叱られた時に「キノコみたいに人知れず静かに過ごしたい」と思うことがありました。自分自身の奥底に存在するものの象徴がキノコです。

一方で鳥のように歌い、元気に外へ向かっていこうとする自分もいる。作品を作り続けるなかで正反対の自分がいることに気づきました。

一本の木から形を彫り出す「一木造り」をやる理由は？

木は目の出方や割れ方など表情が一本ずつ違います。一木造りは、木そのものと対話しながら形を見つけていく感覚があるんです。

以前はデッサンを木に写し形をとっていましたが、今は原木の形を見て、像をイメージし、チェーンソーで大きな形を出していく。木をどう見るかによって作品の雰囲気がかなり変わるので、最初の判断はとても意識しています。図面通りに進めるのではなく、どんな形が木の中から生まれてくるかを考える時間がとても面白いですね。

作品で表現していることは？

命のあり方です。キノコは動物でも植物でもなく菌類。私たちの暮らしの中で本当はとても重要な存在であるけれど、気づかれにくい。単に自然の中の小さな命というだけではありません。人の心の中にも普段は見えにくい、小さくて静かなものがある。

仕事やお金、人間関係など外の世界のことに気を取られていると、自分の内側にあるものを見失ってしまう。自分の中にあるキノコのような存在に気づいてほしいと思います。

作品を見て「面白い形だな」「かわいいな」と思うところから、その奥にある小さな命、自分の内側の静かな部分に意識を向けてもらえたらうれしい。普段見過ごしてしまうものに気づくきっかけになればと願っています。

「陶芸の本質に近づき、どこで離れるか」　ー持田象二

ゲームカルチャーを背景に陶芸作品を発表されています。ゲームは、どのような存在なのですか？

埼玉県のときがわ町という自然の多い場所で育ち、山に入るかゲームをするかしかなかったのでゲーム画面の強い視覚性にすごく魅かれていたんだと思います。単なる娯楽ではなく、自分を構成する一部です。

現実は人によって見方や捉え方が違いますし記憶もズレがありますが、ゲームはみんなが同じものを共有している共通言語だと思います。当時やっていたゲームの雰囲気が、自分にとってはすごく大事なんです。

陶芸をやっていく上でどの文脈にも属さないものを作りたいと考えていくなか、ゲームのビジュアルや記憶が自分の表現の核になっていきました。

今回発表したフィギュアシリーズは、チャレンジングな作品だとか。

アメリカの顔料など陶芸ではあり得ない素材を使っています。陶芸にはある種ルールがありますが、それとは違う手法で陶芸をやるというチャレンジです。かなりキャッチーなものになったと思いますし、一見地味な陶芸のイメージを払拭できたのは良かったです。

東京展を観ていただいた方から「楽しい気分になる」と言ってもらえたことが大きかったですね。自分は陶芸についていろいろ考えすぎてしまうところがあるんですが、観る人にとって楽しいものとして成立している。それだけでも十分に意味があることに気づかされました。

表現で意識していることを教えてください。

見たことのないものを作りたい。陶芸を見るとき、どうしても技法や様式から入ってしまうと思うんです。釉薬の色を見て「織部っぽい」と読むような楽しみ方。もちろんそれは陶芸の魅力でもあるのですが、そこから離れたものをやりたい。

陶芸であまり使われることのない素材を試しているのですが、長く使われてきた素材には理由があって、確かにいい結果になることが多い。釉薬の歴史にヒントを得たり、陶芸の本質を突き詰める方が面白いという気持ちもあるのですが、そこから離れたものを作りたいとも思う。その矛盾の中で、陶芸にどこまで近づき、どこで離れるかを考え続けています。

今回のグループ展では、どんな点に注目してほしいですか。

僕自身は陶芸の歴史や技法との距離感についてかなり悩みながら作っていますが、難しく考えすぎずキャッチーさや楽しさを受け取ってもらえたらうれしいです。制作する中で思いがけない表情が出る偶然性が陶芸の面白さでもあるので、同じシリーズの作品にある微妙な違いに注目してもらえると作品の背景がわかると思います。

「時代の違和感を絵画に固定する」　ー斉木駿介

現在の作風に至った経緯を教えてください。

重力がない表現をやりたいと考えていました。絵画をやろうと思ったのも、それが理由です。ネットから得る画像やアニメーションには重さがなく、現実よりも軽く見える。それらを取り入れることで今の情報のあり方に近づけると考えました。

テレビでは深刻なニュースのすぐ後に芸能ニュースが流れたり、とても重い出来事と軽い情報が並ぶ。SNS上では、知り合いではないけれど名前や顔を知っている人がどんどん増えていく。情報は手に入るけれど（人間関係の）重さは感じられない。どこまでいっても他人事のように感じる距離感がある。

こうした情報の流れの中にいて、私たちの感覚は10年ごとに変わっていくと思うんです。日常の中にある違和感に興味があり、時代ごとの違和感を絵画として固定できないかと考えています。

最近、鏡やディスプレイに自分の姿が映り込むことに興味がわいています。鏡に映る自分を見ると、どこか距離があって、自分の足元にあるはずの現実が遠くなり、時間や場所がずれていく感覚がある。そうした現実との距離の取り方を作品の中に取り入れてます。

描き方で工夫されていることを教えてください。

以前は油彩だけで描いていたのですが、今は油彩とアクリルを場所によって使い分けています。油彩は質感や重さ、立体感が出しやすい。現実に自分が知っていて、匂いや感触まで想像できるものは油彩で描くことが多いです。反対に画面上でしか見ていなかったりネットから得た情報、アニメーション的な要素はアクリルでさらっと描きます。情報の重さと軽さといった画面の中に生まれる違いを取り入れてます。

テーマをそのままやると作品が重くなるので、明るめの色遣いは意識しています。とはいえ単純にポップな印象にしたいわけではなく、アクリル絵具やアクリルガッシュならではの発色の悪さが気に入っているので、可愛くなりすぎず、拒絶されない色を探しています。

今回のグループ展では、どんなことを期待されますか？

グループ展には、各作品が独立して並ぶものと作品を混ぜて全体の風景を作るタイプがあると思います。僕は後者が面白い。作品同士が干渉し影響し合って、普段とは違う見え方になることに魅力を感じます。怖さもありますけど。

僕の作品は少しうるさい部分もあるので、（他の作家の作品と）並べるのは申し訳ない気持ちもありますが、表現が違う作品が一緒に並ぶことで面白い景色が生まれるのではないかと思っています。

「変化を誠実に見つめる」　ー天野百恵

天野さんは作品を作るだけでなく、「場を開く」取り組みとして古民家の再生やアートフェアの開催など幅広い活動をされています。きっかけを教えてください。

2010年に出産をし、以前に比べて自由に出歩くことが難しくなりました。そこで、自分にできることは何だろうと考え、家を開く活動を始めました。

アート活動というよりも私が身を置いているアート業界の中だけではない、もっと広い意味でのクリエイティビティに関心を向けるものでした。街づくりや仕事づくり、生き方やライフスタイルの中に創造性はある。そのことを見つめたいと思うようになり、いろいろな人との交流が始まっていったんです。

今回、ご自身の展示のテーマは「life of moment」。

変化していくこと、その時々の自分を見つめるという意味を込めています。きっかけは、素材に対する見方の変化です。以前からプラスチックや樹脂など石油由来の素材を使ってきたのですが、自然やそのエネルギーをテーマにしてきた自分の表現と矛盾を感じるようになりました。

今田舎に暮らしていて自然志向の考えにはなっていますが、現代のインフラや医療などを拒否して生きることはできません。プラスチックは今の生活では親しみやすさや手放しがたさもありますし、その恩恵を私たちは確かに受けている。

作品を作る上でもプラスチックだから表現できる色の透明感など素材としての魅力がある。素材の意味づけは時代の中で変わっていくので、その変化を展示の中に入れていくことが表現として誠実なのではないかと考えています。

絵画から立体表現、そしてインスタレーションとスタイルは変化しています。

絵画的なものの見方は今も土台としてありまが、私は「これを見せたい」という対象を明確に指し示すために絵を描いていたというより、何かと何かの関係性、そのあいだに生まれる空間、距離、響き合いのようなものに関心があったんだと気づきました。

最近は時間の要素までが作品に入ってきていたり、鏡の上に油絵を描くといった方法にも惹かれています。

変化し続ける創作ですね。何を感じてもらいたいと思いますか。

その時々にいる「場」で人と作品同士が関係し合っていること、時間のなかで自分自身が変わっていくことを感じてもらえたらと思っています。私自身も（作品や制作に対する）答えがはっきり決まっているわけではなく、会期中に展示を変化させようと考えています。その変化も作品や展示の一部として見てもらえたらうれしいです。

KAKA、斉木駿介が見つめるのは膨大な情報が行き交うネットワーク社会で消え去りかねないもの。それは、なくしたら取り返しのつかない大切な存在であることを予感させる。持田象二と天野百恵は矛盾を抱えつつ、時代や社会の変化を受け入れ、誠実に前へ進もうとする。快適と便利を高速で追求する今、「あなたは何を見るのか」。グループ展「HOW WE SEE」はYUGEN Gallery FUKUOKAにて5月31日（日）まで開催。

ABOUT ARTIST

Moe Amano

Artist. Born in Fukuoka Prefecture in 1982, currently residing in Itoshima City, Fukuoka Prefecture. Graduated from Kyushu Sangyo University, Faculty of Art, Department of Fine Arts (majoring in oil painting). Engages in painting and installation art, and also develops expressive activities and projects that are not limited to art production and exhibition, but also encompass daily life. By connecting daily life and artistic expression seamlessly, she researches and practices a creative lifestyle, activities, and new ways of living that are free from existing stereotypes.

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KAKA

Kaka / Wood sculptor. Born in China in 1995. Completed the Master's program in Fine Arts at Joshibi University of Art and Design in 2021. Based on the traditional three-dimensional technique of "Ichiboku-zukuri" from the Heian period, he creates works that explore the themes of the creation and transformation of life. In working with wood as a material, he has come to see not only the completed form, but also the temporality and physicality inherent in the act of carving itself as the core of his expression. In his recent "Mushroom Bird" series, he fuses the disparate creatures of fungi and birds to create sculptures that explore the evolutionary process and the fluctuating boundaries between species. The mushroom's ability to change shape in response to its environment overlaps with the artist's own inner sensibilities, and the sculptures transcend mere symbols, emerging as beings that encompass the cycle of life and the irreversible flow of time. By emphasizing the balance between the texture of the material and the form, and not overly defining meaning, the works offer the viewer the opportunity for multi-layered interpretations.

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Shunsuke Saiki

Born in Fukuoka Prefecture in 1987. Graduated from the Faculty of Arts at Kyushu Sangyo University. Influenced by subcultures such as manga and animation, he creates works that are set against the backdrop of the visual environment of video, the internet, and the post-smartphone era. Influenced by the ideas of simulationism and sampling, he has been quoting and reconstructing existing images and information to visualize the contemporary sensibility where reality and fiction, the everyday and the virtual intersect. In recent years, he has used green screens and green canvases as the support for his works, reversing their function to explore a structure in which a device that originally erases the background illuminates "what is erased" and "what does not remain." He questions the contemporary image environment while finding meaning in excluded and invisible images.

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Shoji Mochida

Born in Saitama Prefecture in 1993. Using ceramics, a material that lies between practicality and art, he creates works that relativize value standards such as purpose and perfection. Since his university days, he has come into contact with both "tableware for use" and "tableware for viewing" through working with chefs and at a pottery dealer, and has physically learned about the history and practical aspects of ceramics. In the "#figure" series, he likens what would normally be considered defects, such as kiln changes, peeling glaze, and pinholes, to "rare pop," a term used to refer to monsters with a low appearance rate in games, and presents them as being full of coincidence. By deliberately turning parts that would be discarded if they appeared in a vessel into figures, he shifts the boundary between failure and success in ceramics, and questions the very perspective of ceramic appreciation.

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